Geschiedenis Podcasts

El Greco sterft - Geschiedenis

El Greco sterft - Geschiedenis


We are searching data for your request:

Forums and discussions:
Manuals and reference books:
Data from registers:
Wait the end of the search in all databases.
Upon completion, a link will appear to access the found materials.

El Greco sterft
El Greco de Spaanse schilder stierf. Zijn schilderijen omvatten Laocoon en De opstanding.


Biografie van El Greco

De dramatische en expressionistische stijl van El Greco werd door zijn tijdgenoten verbijsterd, maar vond waardering in de 20e eeuw. El Greco wordt beschouwd als een voorloper van zowel het expressionisme als het kubisme, terwijl zijn persoonlijkheid en werken een inspiratiebron waren voor dichters en schrijvers als Rainer Maria Rilke en Nikos Kazantzakis. El Greco is door moderne geleerden gekarakteriseerd als een kunstenaar die zo individueel is dat hij tot geen conventionele school behoort. Hij is vooral bekend om zijn kronkelige langgerekte figuren en vaak fantastische of fantasmagorische pigmentatie, waarbij hij Byzantijnse tradities combineert met die van de westerse schilderkunst.


El Greco

El Greco

Δομήνικος Θεοτοκόπουλος (Dom'233nikos Theotok'243poulos)

  • Geboren: 1541 Kreta, Griekenland
  • Ging dood: 7 april 1614 Toledo, Spanje
  • Actieve jaren: 1563 - 1614
  • Nationaliteit:Spaans , Grieks
  • Kunst beweging:Maniërisme (late renaissance)
  • Schilderschool:Kretenzische School
  • Veld:schilderen, beeldhouwkunst, architectuur
  • Beïnvloed door:Byzantijnse kunst, orthodoxe iconen
  • Beïnvloed op:Eugene Delacroix, Edouard Manet, Paul Cezanne, Pablo Picasso, Franz Marc, Jackson Pollock, Roberto Montenegro, Jose Clemente Orozco, Francisco Pacheco, Expressionisme, Kubisme, Der Blaue Reiter (The Blue Rider)
  • Docenten:Titiaan
  • Vrienden en collega's:Giulio Clovio
  • Wikipedia:nl.wikipedia.org/wiki/El_Greco

Olieverf bestellen reproductie

Domenikos Theotokopoulos, ook wel bekend als "El Greco" vanwege zijn Griekse afkomst, was een populaire Griekse schilder, beeldhouwer en architect van de Spaanse Renaissance. Op 26-jarige leeftijd was hij een meester in de postbyzantijnse kunst, toen hij naar Venetië reisde en later naar Rome, waar hij zijn eerste werkplaats opende. In tegenstelling tot andere kunstenaars, veranderde El Greco zijn stijl om zich te onderscheiden van andere kunstenaars van die tijd, door nieuwe en ongebruikelijke interpretaties van religieuze onderwerpen uit te vinden. Hij creëerde behendige, langwerpige figuren en voegde een levendig sfeerlicht toe. Na de dood van Raphael en Michelangelo was hij vastbesloten om zijn eigen artistieke stempel te drukken en bood aan paus Pius V aan het Laatste Avondmaal van Michelangelo te schilderen. Zijn onconventionele artistieke overtuigingen (inclusief zijn afkeer van Michelangelo), samen met zijn sterke persoonlijkheid, leidden tot de ontwikkeling van vele vijanden in Rome, vooral de vijandelijkheden van kunstcritici.

In 1577 verhuisde El Greco naar Toledo, waar hij het grootste deel van zijn volwassen werken produceerde. Hoewel hij grote werken in opdracht uitvoerde in kerken rond Toledo, bleef hij uit de gratie bij de koning en ontving dus niet de koninklijke bescherming die hij zo wenste. El Greco maakte van Toledo zijn thuis en huurde een reeks appartementen van de markies de Villena, waaronder drie appartementen en vierentwintig kamers. Hij bracht veel tijd door met studeren, schilderen en leven in hoge stijl, waarbij hij vaak muzikanten in dienst had om voor hem te spelen terwijl hij dineerde.

Hoewel hij een zeer bekende en productieve schilder was, ondervond hij tegen het einde van zijn leven economische moeilijkheden, verergerd door niet-betaling voor zijn werk voor het Hospital of Charities in Illescas. Hij ontmoette zijn einde op 73-jarige leeftijd, als gevolg van een plotselinge ziekte. Na zijn dood werden de werken van El Greco grotendeels genegeerd. Zijn ongebruikelijke behandeling van het onderwerp en complexe iconografie bracht veel tijdgenoten ertoe zijn werken in diskrediet te brengen. Pas bij de opkomst van de romantische periode werden zijn werken voor het eerst ontdekt, waardoor de belangstelling voor de werken van de kunstenaar weer opleefde. Zijn werken beïnvloedden later realistische, impressionistische, kubistische en abstracte schilders, waaronder Pablo Picasso en Edouard Manet.

Doménikos Theotokópoulos (Grieks: Δομήνικος Θεοτοκόπουλος [ðoˈminikos θeotoˈkopulos] 1541 – 7 april 1614), vooral bekend als El Greco ("The Greek"), was een schilder, beeldhouwer en architect van de Spaanse Renaissance. "El Greco" was een bijnaam, een verwijzing naar zijn Griekse afkomst, en de kunstenaar signeerde zijn schilderijen normaal gesproken met zijn volledige geboortenaam in Griekse letters, Δομήνικος Θεοτοκόπουλος (Dom'233nikos Theotok'243poulos), vaak met het woord Κρής (Krēs, "Cretan") .

El Greco werd geboren in het koninkrijk Candia, dat in die tijd deel uitmaakte van de Republiek Venetië, en het centrum van de postbyzantijnse kunst. Hij trainde en werd een meester in die traditie voordat hij op 26-jarige leeftijd naar Venetië reisde, zoals andere Griekse kunstenaars hadden gedaan. In 1570 verhuisde hij naar Rome, waar hij een werkplaats opende en een reeks werken uitvoerde. Tijdens zijn verblijf in Italië verrijkte El Greco zijn stijl met elementen van het maniërisme en de Venetiaanse renaissance van een aantal grote kunstenaars uit die tijd, met name Tintoretto. In 1577 verhuisde hij naar Toledo, Spanje, waar hij tot zijn dood woonde en werkte. In Toledo ontving El Greco verschillende grote opdrachten en maakte hij zijn bekendste schilderijen.

De dramatische en expressionistische stijl van El Greco werd door zijn tijdgenoten verbijsterd, maar vond waardering in de 20e eeuw. El Greco wordt beschouwd als een voorloper van zowel het expressionisme als het kubisme, terwijl zijn persoonlijkheid en werken een inspiratiebron waren voor dichters en schrijvers als Rainer Maria Rilke en Nikos Kazantzakis. El Greco is door moderne geleerden gekarakteriseerd als een kunstenaar die zo individueel is dat hij tot geen conventionele school behoort. Hij is vooral bekend om zijn kronkelige langgerekte figuren en vaak fantastische of fantasmagorische pigmentatie, waarbij hij Byzantijnse tradities combineert met die van de westerse schilderkunst.

El Greco, geboren in 1541 in het dorp Fodele of Candia (de Venetiaanse naam Chandax, het huidige Heraklion) op Kreta, stamde af van een welvarende stedelijke familie, die waarschijnlijk van Chania naar Candia was verdreven na een opstand tegen de katholieke Venetianen tussen 1526 en 1528. De vader van El Greco, Ge'243rgios Theotok'243poulos (gestorven in 1556), was een koopman en tollenaar. Er is niets bekend over zijn moeder of zijn eerste vrouw, ook Grieks. De oudere broer van El Greco, Mano'250ssos Theotok'243poulos (1531 - 13 december 1604), was een rijke koopman en bracht de laatste jaren van zijn leven (1603-1604) door in het huis van El Greco in Toledo.

El Greco ontving zijn initiële opleiding als iconenschilder van de Kretenzische school, een toonaangevend centrum van post-Byzantijnse kunst. Naast schilderen bestudeerde hij waarschijnlijk de klassieken van het oude Griekenland, en misschien ook de Latijnse klassiekers liet hij bij zijn dood een 'werkende bibliotheek' van 130 boeken achter, waaronder de Bijbel in het Grieks en een geannoteerde Vasari. Candia was een centrum voor artistieke activiteit waar oosterse en westerse culturen harmonieus naast elkaar bestonden, waar in de 16e eeuw ongeveer tweehonderd schilders actief waren, en had een schildersgilde georganiseerd naar Italiaans model. In 1563, op tweeëntwintigjarige leeftijd, werd El Greco in een document beschreven als een "meester" ("maestro Domenigo"), wat inhoudt dat hij al een meester van het gilde was en vermoedelijk zijn eigen werkplaats exploiteerde. Drie jaar later, in juni 1566, tekende hij als getuige van een contract zijn naam als μαΐστρος Μένεγος Θεοτοκόπουλος σγουράφος ("Meester M'233negos Theotok'243poulos, schilder').

Dit is een onderdeel van het Wikipedia-artikel dat wordt gebruikt onder de Creative Commons Attribution-Sharealike 3.0 Unported License (CC-BY-SA). De volledige tekst van het artikel is hier →


3. Hij werd al als een meester beschouwd toen hij begin twintig was

Er waren ongeveer 200 artiesten actief op Kreta in die tijd en El Greco was duidelijk een van de meest getalenteerde van allemaal. In 1563, toen hij was slechts 22, werd hij al omschreven als een “meester Domenigo”, een meesterschilder die zijn reputatie al verdiende en waarschijnlijk een eigen atelier had.

Dit wordt benadrukt door het feit dat hij ondertekende met de Griekse naam "μαΐστρος Μένεγος Θεοτοκόπουλος σγουράφος", wat zich vertaalt naar "Meester Ménegos Theotokópoulos, schilder.” Mogelijk portret van EL Greco / Wiki Commons


El Greco-kunstwerken

De heilige drie-eenheid, geschilderd tussen 1577 en 1579, toont God met een stervende Christus in zijn armen, terwijl ze zweven tussen wolken in de hemel, met de duif van de Heilige Geest die boven hun hoofd vliegt. Om hen heen zijn zes engelen in gekleurde gewaden, en achter hen, van boven komend, is een helder gouden licht. Het schilderij maakt deel uit van El Greco's eerste grote opdracht voor de kerk Santo Domingo in Toledo, en zodra het voltooid was, vestigde het hem in de gemeenschap als een gerespecteerd kunstenaar. Tegenwoordig wordt het beschouwd als een van zijn meesterwerken en staat het bekend als een van de favoriete schilderijen van Édouard Manet.

Dit vroege voorbeeld van El Greco's werk is een synthese van de twee belangrijkste invloeden die hem kenmerken: de meesters uit de Renaissance en de Byzantijnse iconische traditie. Hoewel de compositie affiniteit vertoont met het werk van Michelangelo en Dürer, en beide kunstenaars worden verondersteld een diepgaande inspiratiebron te zijn geweest voor dit schilderij, vertoont het werk ook al verschillende unieke attributen die het oeuvre van El Greco definieerden en zijn kenmerkende taal componeerden. Kunsthistoricus Keith Christiansen beweert dat "hij langgerekte, draaiende vormen, radicale verkortingen en onwerkelijke kleuren tot de basis van zijn kunst maakte." Al deze aspecten zijn aanwezig in De heilige drie-eenheid: het briljante en expressieve kleurgebruik in de gewaden, de continuïteit tussen vormen en substantie in de verstrengeling van de lichamen van de figuren, de verlenging van de figuren, vooral in het lichaam van Christus, en de fantasierijke droomachtige kwaliteit die het algehele gevoel bepaalt van het schilderij. Een van zijn belangrijkste karakteristieke technieken wordt ook al overvloedig in het werk gebruikt, namelijk het gebruik van highlights naast donkere en dikke contouren om een ​​diep dramatisch effect te creëren.

Een specifieke interpretatie is te vinden in de gebruikte kleuren, waarbij het sombere aspect van de wolken de dood voorstelt, tegenover de gouden stralen erboven die het eeuwige symboliseren. De twee benadrukken de dualiteit tussen het leven en het hiernamaals. Over het algemeen is dit de belangrijkste interpretatie van het werk: een belichaming van het eeuwige als een realiteit, waardoor de gelovigen een nieuw gevoel van hoop en toewijding krijgen.

Olieverf op doek - Museo del Prado, Madrid

De edelman met zijn hand op zijn borst (El caballero de la mano en el pecho)

Dit schilderij is een portret van een edelman of ridder van rond de 30, wiens echte naam niet bekend is. Hij is gekleed in traditionele Spaanse kleding en houdt een zwaard in de ene hand terwijl de andere boven zijn hart hangt. Intens starend naar de kijker wordt hij afgebeeld op een manier die diep realistisch maar ook fantasierijk is. Met een aspect dat diep kenmerkend is voor het werk van El Greco, bezit de afbeelding specifieke technisch nauwkeurige kenmerken zoals de baard, gecombineerd met gestileerde elementen, zoals de langgerekte vingers en romp. De gedempte, donkere kleuren en tinten contrasteren sterk met het wit van de ruches. Het dramatische gebruik van contrast en licht versterkt de emotionele en psychologische diepten die het onderwerp definiëren enorm.

Hoewel El Greco vooral bekend stond om zijn religieuze thema's, was hij ook een productieve portrettist, die bekend stond om het karakter en de persoonlijkheid van zijn onderwerpen op een intuïtieve manier vast te leggen. Dit schilderij wordt beschouwd als zijn beroemdste portret. Het is ook een voorbeeld van zijn breuk met de traditionele renaissancestijl en zijn Byzantijnse achtergrond door een meer maniëristische, fantasierijke modus. Van El Greco was bekend dat hij beweerde dat een kunstenaar "de meesters moet bestuderen, maar de originele stijl moet bewaken die in je ziel klopt", en benadrukte het belang van het vestigen en trouw zijn aan zijn eigen visie en individuele artistieke taal.

Dit portret kan worden gezien als een directe invloed op de portretten die later door andere kunststromingen, zoals het expressionisme, werden ontwikkeld. Op een bredere manier kan El Greco's vermogen om de werkelijkheid te transformeren om een ​​innerlijke visie of innerlijke wereld bloot te leggen, worden gezien als een voorloper van moderne kunst.

In deze context verwijst het ook naar het schilderij van Picasso, getiteld Portret van een schilder, naar El Greco, uit 1950, kan dat worden gezien als een eerbetoon aan El Greco's manier van visualiseren en begrijpen van kunst, die vanaf het begin van zijn artistieke carrière een grote invloed op Picasso had. In het werk combineerde Picasso El Greco's gebruik van donkerbruin en oker met zijn kenmerkende kubistische taal, in navolging van eeuwen later, El Greco's altijd aanwezige iconografie.

Het schilderij staat op de omslag van een Vangelis-album getiteld El Greco uit 1998.

Olieverf op doek - Museo del Prado, Madrid

De begrafenis van de graaf van Orgaz (El entierro del conde de Orgaz)

Dit grote schilderij, drie en een halve meter breed en bijna vijf meter hoog, wordt algemeen beschouwd als El Greco's grootste meesterwerk en beroemdste werk. Het werd gemaakt in opdracht van de pastoor van Santo Tomé in Toledo en wordt beschouwd als een uitstekend voorbeeld van maniërisme. Samen met Tintoretto, Agnolo Bronzino, Jacopo da Pontormo en anderen wordt El Greco beschouwd als een van de belangrijkste maniëristische kunstenaars. Zijn bijdrage aan de ontwikkeling van de beweging wordt gekenmerkt door visuele composities die afstand namen van een geïdealiseerde perfectie naar een wereld vol spanning en emotionele complexiteit door vorm, verbeeldingskracht en expressie.

El Greco noemde dit schilderij zijn 'sublieme werk'. De begrafenis van de graaf van Orgaz is een populaire legende in Toledo van een vrome en liefdadige man die na zijn dood een grote som geld aan de kerk naliet en vervolgens werd begraven en naar de hemel werd begeleid door Sint Stefanus en Sint Augustinus. Het begrafenistafereel is onderaan het schilderij afgebeeld, met de graaf omringd door de twee heiligen, gevolgd door andere edele mannen en predikant uit die tijd in 16e-eeuwse kleding, op een statische manier vastgelegd. Het staat in contrast met het celestiale koninkrijk in de hemel dat Maria, Christus, God, Johannes de Doper en de engelen omvat, die allemaal het tafereel observeren, afgebeeld op een meer organische, vrij vloeiende manier, om de ongrijpbaarheid en onstoffelijkheid van de geest weer te geven . De jonge jongen aan de linkerkant zou Jorge Manuel zijn, de zoon van de kunstenaar.

Een mogelijke interpretatie is het naast elkaar plaatsen van de werelden: de fysieke wereld van de aarde en de spirituele wereld van de hemel, elk op hun eigen manier afgebeeld. De aarde is vastgelegd op normale schaal met meer proportionele figuren, terwijl de hemel is samengesteld uit wervelende wolken en abstracte vormen, met een meer ongrijpbare kwaliteit voor de figuren. Dit duidelijke onderscheid laat in hoge mate twee ideeën toe: aan de ene kant wordt een vereniging tussen beide werelden voorgesteld, aan de andere kant wordt de scheiding van de werelden versterkt. Een andere interpretatie wordt naar voren gebracht door kunsthistoricus Dr. Vida Hull, die beweert dat het schilderij 'een visionaire ervaring' vertegenwoordigt. Volgens haar brengen het amorfe karakter en de strekking van de lichamen allemaal een diepe buitenaardsheid over, aangezien het de ziel van de graaf is die naar de hemel wordt gebracht.

Begrafenisscènes werden vaak afgebeeld als een belangrijk religieus thema in de kunst. Andere beruchte werken van begrafenissen, geschilderd naar El Greco's, zijn de Begrafenis in Ornans (1849) door Gustave Coubert, De begrafenis van de sardine (ca. 1812-1819) door Francisco Goya, en de Begrafenis van St. Lucy (1608) door Caravaggio.

Olieverf op doek - Iglesia de Santo Tomé, Toledo

Madonna en Kind met Sint Martina en Sint Agnes

Madonna en Kind met Sint Martina en Sint Agnes toont Maria en het kindje Jezus zittend op wolken in de hemel, vergezeld van Sint Agnes met een lam rechtsonder en Sint Martina linksonder. De figuren domineren het grootste deel van dit grootschalige schilderij en zijn op een complexe, onderling afhankelijke manier met elkaar verweven. Het schilderij was oorspronkelijk geplaatst tegenover een ander schilderij van El Greco, Sint Maarten en de bedelaar, in de kapel van Sint-Jozef in Toledo en vertegenwoordigt een oeuvre dat tussen 1957 en 1607 werd gemaakt in verschillende opdrachten die kenmerkend zijn voor zijn volwassen periode.

Dit werk is een voorbeeld van zijn diep expressieve aard en gestileerde benadering van vorm. Het gebruik van schitterende levendige kleuren, dat ook zo kenmerkend is voor El Greco's schilderijen, is zeer aanwezig in het werk, met de mantels van de engelen en Maria in diep rood, blauw en geel. Voor El Greco werd het gebruik van kleur beschouwd als een fundamenteel kenmerk van elk schilderij, veel meer dan vorm, en hij vond het een zeer complexe kwestie en beweerde dat hij de imitatie van kleur "de grootste moeilijkheid van kunst vond". "

Een manier om het werk te interpreteren is naar voren gebracht door de romanschrijver en kunstcriticus Aldous Huxley, toen hij in 1950 beweerde dat "het niet de bedoeling van de kunstenaar was om de natuur te imiteren, noch om een ​​verhaal met dramatische waarheidsgetrouwheid te vertellen", maar eerder om creëren "zijn eigen wereld van picturale vormen in picturale ruimte onder picturale verlichting. Gebruik het als een voertuig om uit te drukken wat hij wilde zeggen over het leven." In dit perspectief is het de onderliggende boodschap, de uitbeelding van het spirituele rijk als een werkelijke aanwezigheid van de wereld, die het werk zijn universele betekenis verleent.

Olieverf op doek - National Gallery of Art, Washington D.C.

Uitzicht op Toledo

Het schilderij toont een uitzicht op de stad Toledo waar El Greco het grootste deel van zijn leven woonde. Het landschap is op dramatische wijze geschilderd, met levendige vegetatie op de voorgrond en tumultueuze wolken die als achtergrond een storm lijken aan te kondigen. De stad is afgebeeld met grijze tinten, aangezien het op een afstand op de top van de natuurlijke heuvels ligt en naar beneden leidt naar de Romeinse Alcántara-brug. De gebouwen zijn weergegeven in een wolkachtige vorm, een organisch geclusterde agglomeratie.

El Greco benaderde het onderwerp op dezelfde manier als zijn andere werken, waarbij hij inspiratie putte uit de realiteit, maar er niet trouw aan bleef. Hij vond het tafereel uit om de emoties over te brengen die hij wenste, behalve dat het kasteel van San Servando correct gelokaliseerd was, de rest van de gebouwen zijn afgeleid van zijn verbeelding.

De uitbeelding van een landschapsonderwerp was voor die tijd een ongewoon onderwerp, vooral in een Spaanse context, die El Greco de aandacht trok als de eerste landschapskunstenaar in de geschiedenis van de Spaanse kunst. Deze specifieke weergave van de lucht is een van de bekendste in de westerse kunst. Het is het enige overgebleven exemplaar van El Greco's landschappen en er is heel weinig bekend over het verhaal, de oorsprong of de omstandigheden.

De fantasierijke taal van het schilderij kan ook worden gezien als een directe invloed op het expressionisme. Beide Edvard Munch's De Schreeuw van 1893, met zijn dramatische vloeiende lucht en wolken, en Van Goghs landschappen zoals De sterrennacht geschilderd in 1889, met zijn verwrongen vegetatie en dramatische luchten, kunnen allemaal worden gezien om het gezichtspunt van El Greco te bevorderen.

Olieverf op doek - Metropolitan Museum of Art, New York City

De extase van St. Franciscus van Assisi

Het schilderij toont de extase van St. Franciscus, een populair onderwerp in de klassieke kunst, ook afgebeeld door Caravaggio in 1595, door Giovanni Bellini in 1475, door Giovanni Baglione in 1601, en verschillende andere beruchte kunstenaars die allemaal door het verhaal werden aangetrokken. Het toont het tafereel uit het legendarische leven van Sint Franciscus van Assisi, een Italiaanse heilige uit de 12e eeuw, die twee jaar voor zijn dood in 1224 op reis ging naar de berg La Verna voor veertig dagen vasten en bidden. Op een ochtend, terwijl hij bad, raakte hij in een religieuze extase en ontving de stigmata (de tekens van Christus op zijn lichaam toen hij aan het kruis werd genageld) door een engel of seraf. In het schilderij portretteert El Greco St. Franciscus op dit exacte moment met een gezicht vol emoties van toewijding, pijn en overgave. Voor de heilige staat een schedel, meestal geassocieerd met de heilige, en een symbool van sterfelijkheid.

El Greco was gefascineerd door dit onderwerp, aangezien algemeen wordt aangenomen dat zijn atelier meer dan honderd afbeeldingen van Sint Franciscus bezat. In dit schilderij geeft El Greco echter zijn gebruikelijke lichte, kleurrijke en heldere voorstellingen af ​​en creëert hij een algehele donkere en sombere sfeer om de pijnlijke en dramatische ervaring van de heilige opnieuw te creëren.

Hoewel het schilderij ook een voorbeeld is van maniërisme, lijkt het gebruik van sterk contrasterende duisternis en licht te doen denken aan een andere artistieke taal die kan worden geassocieerd met de dramatische werken van Rembrandt in de 17e eeuw.

Christus zegen (De Verlosser van de Wereld)

Dit schilderij toont Christus die één hand op een blauwe wereldbol houdt en met de andere naar de hemel gebaart. Er schijnt een wit licht van achter hem of van binnenuit, dat als een halo werkt tegen de zwarte donkere achtergrond. Het is geschilderd in de kenmerkende vloeiende stijl van El Greco en bezit een diepe esthetische en psychologische kracht, die voornamelijk wordt verleend door de intense blik van Christus' ogen die diep in de toeschouwer staren. De levendige heldere rode kleur van zijn gewaden contrasteert diep met de ingetogen en sombere kleur die in de rest van het schilderij wordt gebruikt. Zoals kenmerkend is voor zijn oeuvre, verlenen de langgerekte vingers en romp, diep geïnspireerd door Tintoretto en Titiaan, het schilderij een dromerige kwaliteit die zowel echt als diep onwerelds is, waardoor Christus lijkt te behoren, fysiek en metaforisch, tot beide werelden.

Dit werk weerspiegelt een goed voorbeeld van El Greco's manier om een ​​meer Byzantijnse iconische traditie te combineren met de meer humanistische benadering van de Renaissance, terwijl hij toch een exacte imitatie van de werkelijkheid verwerpt. Zoals kunsthistoricus Keith Christiansen beweert: "El Greco verwierp het naturalisme als voertuig voor zijn kunst, net zoals hij het idee verwierp van een kunst die gemakkelijk toegankelijk is voor een groot publiek. Wat hij omarmde was de wereld van een zelfbewuste, erudiete stijl, of maniera", diep verbonden met het maniërisme. Door de wereld om hem heen te ontkennen en afstand te nemen van realistische en naturalistische talen, belichaamt hij het rijk van de geest door beweging en vrijheid van vorm op een symbolische en metaforische manier. In feite staat El Greco bekend om beweren: "De geest van de schepping is een ondraaglijke, ingewikkelde verkenning vanuit de ziel".

Olieverf op doek - Scottish National Gallery, Edinburgh, VK

Laocoön (Laocoonte)

Het schilderij beeldt de mythe uit van Laocoon, een Trojaanse priester die volgens de legende de lokale bevolking waarschuwde voor het Trojaanse paard en ook de tempel van God ontheiligde. Als gevolg daarvan doodden gigantische slangen, gestuurd door de boze goden, hem en zijn twee zonen, Antiphantes en Thymbraeus. Op het schilderij zijn de drie afgebeeld op de voorgrond die worden opgeslokt door de grote slangen. Rechts lijkt een van de zonen al dood te zijn terwijl hij op de grond ligt, terwijl Laocoon en zijn andere zoon vechten voor hun leven. De achtergrond toont het paard van Troje en de stad Toledo, omringd door bomen in intense blauwe en groene tinten. Deze levendige kleuren van het leven contrasteren sterk met het gedempte grijze palet dat wordt gebruikt voor de figuren die de dood symboliseren. De twee figuren die helemaal rechts staan, worden verondersteld Apollo en Artemis te zijn die het zich ontvouwende drama observeren.

Kunsthistoricus Keith Christiansen beweert: "Geen enkele andere grote westerse kunstenaar bewoog mentaal - zoals El Greco deed", en benadrukte de onderliggende psychologische bedoeling van het werk. In die zin is de belangrijkste interpretatie die kan worden getrokken ontleend aan de mythe zelf, dat de mens machteloos en hopeloos is in het rijk van het goddelijke en moet bezwijken voor zijn onvermijdelijke lot.

Dit werk wordt beschouwd als een van de beste voorbeelden van El Greco's latere werken, en het enige van zijn bekende schilderijen dat een mythologisch thema verbeeldt in plaats van een religieus thema. Samen met Het visioen van Sint Jan (1608-1614), het staat bekend om zijn diepgaande invloed op de expressionistische en kubistische bewegingen vanwege de intense emotionele beeldspraak en de levendige accentuering van individuele vormen binnen de algehele compositie.

Olieverf op doek - National Art Gallery, Washington D.C.

Het visioen van Sint Jan

Dit grote doek wordt beschouwd als een van de meesterwerken van El Greco. Het beeldt een passage uit de Bijbel af, Openbaring (6:9-11), die de opening van het vijfde zegel aan het einde der tijden beschrijft en de verdeling van witte gewaden aan "zij die waren geslacht voor het werk van God en voor het getuigenis dat ze hadden afgelegd." Op de voorgrond zien we de langgerekte figuur van Sint-Jan, op zijn knieën met wijd open armen, terwijl hij boven God smeekt. Achter hem wordt een groep naakte figuren getoond, die tot aan de hemel reiken voor hun gewaden, waarvan sommige wit en andere gekleurd zijn. Dit zijn de zielen van martelaren die tot God om gerechtigheid hebben geroepen.

Het schilderij is een van de verschillende werken in opdracht van Pedro Salazar de Mendoza, een bewonderaar en verzamelaar, voor de kerk van het ziekenhuis van Johannes de Doper (het Tavera-ziekenhuis). El Greco stierf voordat hij in staat was het schilderij af te maken en er wordt gezegd dat er een bovenste deel van het schilderij ontbreekt, dat vermoedelijk in 1880 is vernietigd. Volgens geruchten zou het ontbrekende deel het Offerlam kunnen zijn dat het Vijfde Zegel.

Het werk oefende een grote invloed uit op Pablo Picasso, van wie wordt aangenomen dat hij het grondig heeft bestudeerd en het als inspiratiebron heeft gebruikt voor de compositie van zijn eigen meesterwerk. Les Demoiselles d'Avignon (1907). In de dynamische compositie die ontstaat tussen de verschillende figuren in beide schilderijen kunnen verbanden worden gelegd.

Kunstcriticus Jonathan Jones stelt dat El Greco 'tot complexiteit, vergetelheid en verfijning werd aangetrokken', drie kenmerken die dit werk sterk definiëren, en dat hij 'een messiaanse taal van religieuze vernieuwing sprak'. Deze vernieuwing door geloof is in feite een van El Greco's belangrijkste drijfveren, en is de belangrijkste onderliggende boodschap van dit werk dat de nadruk legt op de redding en bescherming van zielen die goed zijn.


5 leuke weetjes over de Spaanse renaissancekunstenaar El Greco

Beroemde historische kunstenaarsBeroemde schildersSpanjeSpaanse schilder

Om te zeggen dat El Greco, schilder, beeldhouwer en architect van de Spaanse Renaissance, een belangrijke figuur in de kunstgeschiedenis is, is een understatement. De kunstenaar, die werd geboren in 1541 en stierf in 1614, leverde enorme artistieke bijdragen aan de wereld en daagde zelfs het werk van Michelangelo uit. Hieronder vind je 5 leuke weetjes over El Greco die je in de klas kunt gebruiken of gewoon voor je eigen persoonlijke verrijking.

5 leuke weetjes over kunstenaar El Greco

Er zijn tientallen verbazingwekkende feiten over kunstenaar El Greco die kunstliefhebbers zullen intrigeren. Hier zijn slechts 5…

    El Greco" was niet de geboortenaam van de artiest— hij werd geboren “Doménikos Theotokópoulos .” "El Greco" betekent gewoon "De Griek". Hoewel de kunstenaar algemeen bekend stond als El Greco toen hij bekend werd, tekende hij meestal zijn volledige geboortenaam bij zijn kunst in Griekse letters. De Encyclopaedia Britannica zei dat El Greco “een naam was die hij verwierf toen hij in Italië woonde, waar de gewoonte om een ​​man te identificeren door het land of de stad van herkomst aan te duiden een gangbare praktijk was. De merkwaardige vorm van het lidwoord (El) kan echter het Venetiaanse dialect zijn of waarschijnlijker uit het Spaans.”

  1. Ondanks dat hij Grieks was, was El Greco een vroom katholiek. Dat gold ook voor veel andere burgers van het koninkrijk Candia, dat zijn geboorteplaats was. Het koninkrijk Candia (Kreta) maakte destijds deel uit van de Republiek Venetië. Het was de thuisbasis van Greco tot hij ongeveer 20 jaar oud was, waarna hij naar Venetië migreerde om te studeren bij Titiaan, de beroemdste schilder van zijn tijd. De twee belangrijkste religies van het koninkrijk Candia waren het rooms-katholicisme en de Griekse orthodoxie. Hoewel de schilder Grieks was, was hij een zelfverklaarde vrome katholiek. Sommige geleerden geloven dat hij zich bekeerde van de Griekse orthodoxie om deel uit te maken van de katholieke Kretenzer minderheid. Zelfs als El Greco in zijn testament niet had beweerd katholiek te zijn, weerspiegelt zijn kunstwerk het religieuze klimaat van het rooms-katholieke Spanje en zou het dus een weggevertje zijn geweest.

    El Greco werd uit Rome verdreven door kunstenaars die loyaal waren aan Michelangelo . In zijn artikel De aarzelende discipel ,

    El Greco vond groot succes in Spanje nadat hij daar in 1576 was verhuisd . Terwijl in Spanje El Greco schilderde

“De begrafenis van de graaf van Orgaz'8221
Wikipedia

Op 7 april 1614 stierf El Greco in Spanje. Volgens Biography stierf hij niet gewaardeerd door de kunstwereld die hem 250 jaar lang niet als meester zou erkennen. Tegenwoordig staat hij bekend als een van de meest invloedrijke schilders die ooit hebben geleefd. Kunstwetenschappers geloven ook dat El Greco kunstenaars als Picasso heeft beïnvloed, evenals schrijvers als Rainer Maria Rilke en Nikos Kazantzakis.

Maak kunst zoals El Greco

Zou je graag kunstwerken maken die net zo sensationeel zijn als die El Greco heeft gemaakt? Zo ja, dan kan dat! Alles wat je nodig hebt is…

  1. Een passie voor kunst
  2. Een liefde voor de Europese maniëristische stijl van kunst
  3. Een Windows-pc

Beschik jij over deze 3 dingen? Vraag dan een GRATIS proefversie aan van SegPlay PC, ons digitale computerspel op nummer schilderen.

SegPlay PC combineert de nieuwste technologie met de ouderwetse verf-op-nummer-techniek om een ​​verslavend tijdverdrijf te creëren. Het goede nieuws is dat dit computerspel een goede verslaving is, dat je geest uitdaagt en je creativiteit stimuleert.

SegPlay PC gamificeert kunst en geeft kunstliefhebbers een ander kanaal om hun liefde voor kunst te uiten. El Greco-fans zullen dol zijn op deze digitale verf-op-nummerpatroonset van El Greco. Nadat je een GRATIS proefversie van SegPlay PC hebt gedownload, moet je jezelf trakteren op de El Greco verf-op-nummer SegPlay PC-patroonset.

De SegPlayPC™-patroonset voor El Greco bevat 25 patronen gemaakt van zijn meest bekende schilderijen gevuld met langwerpige figuren en iconische symbolen. Er zijn veel portretten van…

  • pausen
  • kardinalen
  • een monnik
  • Antonio Covarrubias
  • Julije Klovic
  • Een onbekende dame
  • Een zelfportret

Ook opgenomen in deze set zijn zijn talrijke religieuze interpretaties:

  • de plundering
  • De Heilige Familie
  • Aankondiging
  • Via Crucis
  • Heilige Johannes de Evangelist
  • Apostelen Petrus en Paulus
  • De berouwvolle Petrus
  • Een landschap (Gezicht op Toledo)

Bekijk hier het El Greco SegPlay pc-patroon van dichterbij.

Ben je een grote fan van de kunst van El Greco? Waarom of waarom niet? We horen graag van u, dus laat uw mening achter in het gedeelte 'opmerkingen' hieronder.

Lees meer Segmation blogpost over maniëristische kunstenaars:

Word een artiest in 2 minuten met Segmation SegPlay ® PC (zie meer details hier)


Inhoud

Kanda Shokai werd opgericht in 1948 en de merknaam Greco werd opgericht in 1960. [2] [3] [1] [4] Pas in 1966/1967 begon Kanda Shokai met het op de markt brengen van Greco Telecaster-achtige modellen. [ verduidelijking nodig ] Oorspronkelijk gebruikte Kanda Shokai de merknaam 'Greco' voor de solid body-modellen en gebruikte de merknaam 'Canda' voor zijn akoestische modellen, gebaseerd op de bedrijfsnaam Kanda (Canda). In het midden/eind van de jaren 60 exporteerde Kanda Shokai ook enkele gitaren van het Griekse merk op basis van Hagström- en EKO-ontwerpen voor Avnet/Goya in de VS. [ citaat nodig ] Deze gitaren zijn gemaakt door de FujiGen en Matsumoku (en mogelijk Teisco [ citaat nodig ] ) gitaarfabrieken en leken erg op de Ibanez-gitaren uit de late jaren 60 op basis van Hagström- en EKO-ontwerpen. Kanda Shokai bracht eind jaren 60 ook een paar originele ontwerpen op de markt, waaronder de Greco Semi-hollow "Shrike" gitaren die eerst door Goya en later door Kustom werden geïmporteerd en op de markt gebracht. Het model "Shrike" was ongebruikelijk omdat het een paar ongebruikelijke "L"-vormige pickups had, met de hoek van de "L" wijzend naar de kop op de halspickup en naar de brug op de brugpickup. Deze "boemerang" pickups predate the Gibson Flying V2 "Boomerang" shaped pickups by over 10 years.

In the early 1970s Kanda Shokai marketed Greco Gibson-like models, but with bolt-on necks rather than the set necks of genuine Gibson guitars. These were very similar to the Ibanez Gibson-like models available at that time and most of these models had a Greco logo that looked more like "Gneco". By the mid/late 1970s most Greco Gibson-like models were being made with set necks and open book Gibson headstock designs. Some other Greco Gibson-like models from the 1970s had a different headstock design, more like a Guild headstock design, that had a Greco logo with equally sized letters.

Starting in 1979, the Greco "Super Real Series" was introduced which made available high standard replicas of Gibson and Fender models. In 1982 the Greco "Mint Collection" was introduced, which continued the high standard of the "Super Real Series". In 1982 Kanda Shokai and Yamano Gakki become part of Fender Japan and Kanda Shokai stopped producing its own Greco Fender replica models. Since the end of the Greco open book headstock Gibson replicas in the early 1990s, Kanda Shokai have produced various models using the Greco brand name such as the "Mirage Series" (similar to the Ibanez Iceman), various Gibson copies (not using the open book Gibson headstock design), Violin basses (VB), Zemaitis Guitars and addition to various other models.

Some notable guitar players who have used Greco guitars include Ace Frehley who used Greco Les Paul replicas when his band Kiss was on tour in Japan, Millie Rose Lee of Dead Witch and Elliot Easton of The Cars, Peter Tork of The Monkees on his 1979 -81 solo tours had 2 of the Tobacco Sunburst Les Paul models. The Greco BM line is particularly notable as they're almost endorsed signature models. Brian May played (or at least mimed) his BM-900 on several television appearances [5] [6] and in 1983 remarked:

A Japanese firm called Greco made a Brian May guitar, an exact copy. They called it a BHM 900 or something. They sent me an example. I said, "Thanks very much for sending it to me. It looks nice, but it doesn't actually sound that nice. Why don't we get together and make it sound good, too? Then you can put my name on it properly". They never replied. [7]

Early Greco electrics Edit

The Japanese made Greco guitars were initially being distributed in the US through Goya and later by Kustom (known for their amps). Prior to that, Goya sold Electric guitars made by Hagstrom . Among the Electric guitar models that Greco offered during this period, were two thin semi-hollow bodystyle that were equipped with the Patented “Shrike” pickups. These were the 950, and 975 models. A 12 string version for both bodystyles were available as well, and were labeled models 960 and 976 respectively. Those models with the Boomerang “L” shaped split coil pickups were called “Shrike” models. The “Shrike” pickups were advertised as producing that distinctive "shrike" sound. The shrikes had a single volume pot and a group of slide switches to control the 4 split coil pickups in the 2 L shaped enclosures. So you could switch between high and low strings on the pickups.

The 975 model and its 12 string brother the 976 model were the top of the line imported Grecos in 1968. These were initially available only in the Shrike version, and later a more conventional 2 standard pickup version appeared. The models with standard pickups were not called “Shrike” models. Standard pickup models had the common 2 volume, 2 tone pot controls and toggle switch for the two pickups. These were regarded as attractive and well-made guitars. They had bound semi-hollow bodies and a bound neck, diamond-shaped sound holes, rectangular shaped fretboard inlays and headstock truss adjustment. The tuners were the same as the Teisco Spectrum 5 of that period, and the Neck-plate had the L shaped pickup patent number stamped on it. The zero fret and thin neck is reminiscent of a Mosrite. The 975 model “Shrike” was considered to be of higher build quality than the many entry-level Japanese guitars that had become widely available earlier in the decade, but by 1970 the 975-style models were discontinued, a victim of the decline of the 1960s guitar boom. Soon Greco would move toward copying Fender and Gibson products, becoming a major brand in the so-called "Lawsuit" copy era, along with Tokai and the Ibanez company, which became the subject of legal action by Gibson.

Lawsuit "copy" era Edit

The Greco Fender replicas from the late 1970s and early 1980s are similar to the early Fender Japan guitars, as Kanda Shokai owns the Greco brand and is also a part of Fender Japan. The Greco Fender replicas made by Matsumoku have Matsumoku stamped on the neckplate and the other Greco Fender replicas were made by Fuji-Gen Gakki. Most of the Greco models included the original selling price in Japanese Yen (in Japanese) 円 in the model number (EGF-1800 = 180000 Yen). The "Super Real Series" date from late 1979 to 1982 and the open O Greco logo "Mint Collection Series" date from 1982 to the early 1990s. The "Mint Collection Series" have an open O letter in their Greco logo (an O letter with the top part of the O letter removed) and the "Super Real Series" usually have a closed O letter in their Greco logo.

The Fuji-Gen Gakki guitar factory were the main maker of the Greco guitars in the 1970s and 1980s. [12] Fuji-Gen Gakki obtained a CNC router in mid-1981 for making guitar parts and also began to manufacture their own pickups starting in late 1981. [13] The Fuji-Gen Gakki CNC router and Fuji-Gen Gakki made pickups were used for the "Super Real" and "Mint Collection" series starting from 1981 to the early 1990s. Up until 1981/1982, Nisshin Onpa (Maxon) made pickups were used in the Greco guitars including the "Super Real Series" and the guitars were made in a more luthier style with no CNC machines used. The Cor-Tek and Tokai guitar factories were also used to make some Greco models due to FujiGen not being able to make some lower priced Grecos in the late 1980s.

There were also some transitional Greco models from 1981/1982 that have a mixture of "Super Real Series" and "Mint Collection Series" features such as a "Super Real" model with an open O letter in the Greco logo instead of a closed O letter. The Super Real EGF (flametop) and EG series higher end models featured nitrocellulose lacquer finishes and fret edge binding and some of the Super Real lower end models also featured fret edge binding.

Medium tenon neck joints with dowel reinforcements were used up until 1981 and standard Gibson style long and medium tenon neck joints were used after 1981. The medium tenon neck joints with dowel reinforcements were very similar to the Gibson long tenon neck joints that were used in the early 1970s before Gibson switched to using a short tenon neck joint. Some Greco models featured chambered (not solid) body designs up to the early 1980s, which weighed less than a regular solid body model and also had a slight semi acoustic quality. Some of the current Gibson models also use chambered bodies, such as the Gibson Les Paul Supreme.

Some Greco Les Paul guitars up until 1982 had laminated pancake bodies and were based on the similar Gibson Les Paul laminated guitars from the 1970s. The lowest priced Greco Les Pauls sometimes had different wood combinations from the regular Maple and Mahogany. Up to 1980 the lowest priced Greco Les Pauls, such as the EG450 model, had Birch bodies. The lowest priced Super Real and Super Power Les Pauls, such as the EG450 and EG480 models from late 1979 to 1982, had Sycamore tops.

The EGF-1800 (flametop), EGF-1200 (flametop) and EG-1000C (custom) models from the 1980 and 1981 catalogues (as well as very early 1982 models) featured "Dry Z" pickups (PAF-like pickups made by Nisshin Onpa (Maxon)). The type of pickups varied depending on the guitars original selling price and the Nisshin Onpa (Maxon) made "Dry Z" or Fuji-Gen Gakki made "Dry 82" pickups were reserved for the top end models. The lower end models such as the EG-500 mostly used 3-piece maple tops while the higher end models mostly used 2-piece maple tops. "Mint Collection" models with a K after the numeric price designation (e.g. PC-98K) came with factory-installed Kahler tremolo (vibrato) bridges.

The "Mint Collection Series" features varied according to price, with some of the higher-end models, such as the EG58-120, model having most of the features of the "Super Real" higher-end models. Most of the "Mint Collection Series" had long-tenon neck joints, but some had medium long tenon neck joints. There were also some Greco "Super Sound", "Super Power" and "Rock Spirits" Gibson replica models made. The "Super Sound" models were mid-priced models from the "Super Real" years (1979-1982) and the "Super Power" models were lower-priced models from the "Super Real" years (1979-1982). The "Rock Spirits" models were lower-priced models from between 1979 and the early 1990s

Greco guitars have been made by Matsumoku, Fuji-Gen Gakki, [14] Dyna Gakki [15] and others as well. Greco Gibson replicas around 1975 and pre 1975 models had a Greco logo that looked like "Gneco".

Most of the Greco open book headstock Gibson replicas were made by FujiGen Gakki. Some Greco open book headstock Gibson replicas starting from around 1988 had no serial numbers. The lower priced no serial number Greco Les Paul and SG models were made by Cor-Tek (Cort) and usually have Cor-Tek (Cort) potentiometers. The Cor-Tek made Greco guitars have square shaped, brick like nuts with no slope and also often have shielding paint in the pickup and control cavities. Other higher priced no serial Greco Les Paul and SG models were made by Tōkai and the Les Paul models have an EG-75 or EGC-75 model number stamped in the pickup cavity and sometimes have fret edge binding.

The no serial Greco guitars made by Tokai have square shaped routing holes at the bottom of the pickup cavities whereas the no serial Greco guitars made by Cor-Tek (Cort) have thinner rectangle shaped routing holes at the bottom of the pickup cavities. Kanda Shokai stopped using the open book headstock design on Greco Gibson replica models around the early 1990s and then concentrated on their other model lines and Fender Japan. Atlansia have supplied body and neck parts for Greco models as well. Tokai currently make the Kanda Shokai Zemaitis and Talbo models.


Emily Dickinson

Emily Dickinson via WikiCommons

Emily Dickinson wrote about love so eloquently, “morning without you is a dwindled dawn” which is the nicest thing we’ve read all day. She was hugely prolific as she wrote and published over eighteen hundred poems while she was alive so she really didn’t have time for any awkward dating situations. Nobody, especially Emily Dickinson had time for that. Sadly, many of her close family and friends died before her, and she struggled coming to terms with their deaths. She died a recluse, some debating if she suffered from Agoraphobia and Epilepsy.

Do you know about how other artists lived out the last days of their life? How have did your favorite artists enjoy (or not) their latter years? We’d love to keep the discussion going in the comments below.


Sisällysluettelo

El Grecon syntymäpaikkana pidetään Fódelen kylää. [2] El Grecon syntymän aikoihin Kreetalla oli paljon ikonimaalareita. Greco sai sieltä bysanttilaisia vaikutteita ja maalasi myös ikoneita. [1] Nuori El Greco varttui kreetalaisen koulukunnan vaikutteiden piirissä. Jo 22-vuotiaana vuonna 1563 häntä luonnehdittiin eräässä asiakirjassa mestariksi. [3] El Greco muutti 1565 Venetsiaan, jossa sai vaikutteita venetsialaisten maalarien värienkäytöstä ja manierismista. Hän työskenteli luultavasti Tizianin ja Tintoretton ateljeissa. Vuosina 1570–1571 hän oleskeli Roomassa, missä tutustui Michelangelon teoksiin. [1]

El Greco muutti Espanjan Toledoon noin vuonna 1576. Hän sai siellä tehtäväkseen maalata kolme suurta alttaritaulua Santo Domingo el Antiguon kirkkoon. Myöhemmin hän teki muotokuvia ja uskonnollisia tilausteoksia. Toledossa hänen ihmishahmonsa alkoivat pidentyä ja maalauksiin tuli levoton tunnelma. Voimakkaat siniset ja keltaiset värit irtautuivat luonnonmukaisista paikallisväreistä, ja El Grecosta tuli eurooppalaisen taiteen ensimmäisiä koloristeja. Hän alkoi käyttää yhä selkeämpiä valojen, varjojen ja värien vastakohtia. El Greco alkoi myös pidentää figuureitaan, mikä lisäsi näiden hengellistä voimaa ja loi maalauksiin levottoman tunnelman. Hänen värinsä, varsinkin kirkkaat siniset ja keltaiset, eivät olleet luonnonmukaisia. Värien ohella selkeän tilakuvauksen hylkääminen lisäsi hänen teostensa salaperäisen hengellistä tuntua. [1]

Vaikka El Grecon ateljeessa työskenteli monia taiteilijoita ja hänen teoksiaan kopioitiin, ei hän vaikuttanut paljonkaan naturalisemmin maalanneisiin aikalaisiinsa. [1] El Grecon omaperäinen tyyli hämmensi aikalaisia, eikä häntä juuri tunnettu Espanjan ulkopuolella, mutta 1900-luvulla hänen teoksensa saivat arvostusta. [4]


El Greco and his paintings


El Greco is probably one of the most well known artists of his time, and still to this day, over 500 years after his death. Because of the obscurity in his style, and the fact that he was considered a painter of the spirit, he was one of the most influential painters, which set the groundwork for many to follow, and for many art forms that followed. His work was admired by the members of the Blue Rider School, and several artists who followed, far after his career ended.

El Greco was born in Crete, and was trained as an icon painter. The non-naturalistic basis of his work showcased the talent that would follow, in the many pieces created during the course of his career. He moved to Venice in 1567, as Crete was considered a Venetian territory. At this point, he made it his goal to master the form of Renaissance painting this included a perspective, figural style, and the ability to create and stage elaborate narratives, for the work he would create. The mural of Christ healing the blind is one of the pieces that showcases this narration, and is one of his most famous art works created. He also wrote treatises about painting, and the style of work he created for the art world.

Upon moving from Venice, El Greco lived and worked in Rome from 1570 to 1576. He came with a letter of recommendation from the Croatian miniaturist, and this secured him a place to stay and work while in Rome. There he set about mastering the elements of Renaissance Art, including perspective, figural construction, and the ability to stage elaborate narratives. By the time El Greco arrived in Rome, Michelangelo, Raphael and Leonardo da Vinci were dead, but their example continued to be paramount, and somewhat overwhelming for young painters. El Greco was determined to make his own mark in Rome defending his personal artistic views, ideas and style. He stayed with Alessandro Farnese, who was possibly the wealthiest and most influential patron in Rome, during this period. In 1572, El Greco joined the painter's academy, where he was known to have one or two assistants while working here. Although he did not receive the commission he was hoping for in Rome, he did receive numerous requests for portraits, and small scale devotional paintings and sculptures to be created for high end clientele. One of the reasons why El Greco was chastised in Rome, and possibly did not reach the peak of his career there, was due to the fact that he had criticized Michelangelo, and his extensive work, which was highly respected in Rome for this reason, the work El Greco was not viewed for its full potential, and he was ostracized by many for this.

In 1576, El Greco made the move to Spain, where his first bid for royal patronage with Phillip II, failed. It was not until he moved out to Toledo, where he finally became recognized as a great artist, and the potential he had was finally being viewed by peers, and admirers in the art world. El Greco was immortalized in this city, and the piece View from Toledo was quite possibly one of his most famous pieces in the city he found a group of friends and colleagues, and was beginning to make his mark as an artist it was in the city of Toledo where he began making a profitable career for himself as an artist.

While in Toledo, El Greco was commissioned to paint three altarpieces, by Diego de Castilla (who was the dean of the Toledo Cathedral). These pieces were to be painted for the Church of Santo Domingo el Antiguo. These were quite possibly some of the biggest masterpieces the artist created, and were the first major art works he did. They focused on a variety of styles, and unique form which he had picked up while living in Italy. Some hints of naturalism could be seen in the characters, compositional ideas which were learned by the works of Michelangelo were also present in his paintings, and there was also a mannerist emphasis, on the elegant and refined features which were noted, in the three works he was commissioned to create.

During the commission of these works, a dispute between the price that was paid, and what El Greco hoped to earn, led to litigation this not only caused a rift between those who had befriended him in Toledo, but also left a mark on the career which followed. Due to this issue, El Greco never received another sizable commission from the religious authorities, and was never hired to do work on any churches for the remainder of his career. Most of the work and commissions that were received in the later part of his career, came from private individuals, as well as covenants in the city.

The most famous painting which El Greco drew was The Burial of Count Orgaz, which was commissioned by the parish priest (Santo Tome), in Toledo, in 1586. It was a celebration of the financial obligation that people had to the church. The picture is meant to serve as a real world of the viewer, and the fictional world as seen through the painting. This piece is central to the understanding that the art world has to El Greco and his work in general it captures the essence of his art, which is a visionary experience which hasn't been duplicated by any other artist.

El Greco also excelled as a portraitist, mainly of ecclesiastics or gentlemen, who was able not only to record a sitter's features but to convey his character. Although he was primarily a painter of religious subjects, his portraits, though less numerous, are equally high in quality. Two of his late works are the portraits of Fray Felix Hortensio Paravicino (1609) and Cardinal Don Fernando Nino de Guevara (1600). Both are seated, as was customary in portraits presenting important ecclesiastics. By such simple means, the artist created a memorable characterization that places him in the highest rank as a portraitist, along with Titian and Rembrandt.

Late in his career, El Greco rejected the art form as a vehicle for his art, and embraced the self conscious style, known as maneira. This stems from the fact that the artist took the opposite route when the style of mannerism was being rejected in Rome while other artists were turning away from this form of art, El Greco accepted it, and worked it into his pieces. Elongated twists and forms, and unreal colors were some of the basis for his artwork.

I paint because the spirits whisper madly inside my head." - El Greco

Just like Shakespeare on literature, and Sigmund Freud on psychology, El Greco's impact on art is tremendous. Not only was El Greco one of the most influential artists, he was the only Western artist to move the mentality and perception of the art world. With a spiritual basis for his work, he welcomed the new and unseen, while rejecting the perceptions of what art should be, which was something no other artist during his time was willing to do. El Greco is one of the few old master painters who enjoys widespread popularity. Like Johannes Vermeer, Caravaggio, and Sandro Botticelli, he was rescued from obscurity by an avid group of nineteenth-century collectors, critics, and artists and became one of the select members of the modern pantheon of great painters. His works later influenced realist, impressionist, cubist, and abstract painters, including Pablo Picasso, Vincent van Gogh, and Paul Cezanne.


Bekijk de video: El Greco: El último desafío a Dios 2007 - subtitulos español (Mei 2022).